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¿Quieres crear una película de animación de calidad? En este artículo te vamos introducir a alto nivel Cómo crear una buena película de animación 2D o 3D dependiendo de tus capacidades y conocimientos.
Aunque parezca difícil, la industria de la animación evoluciona constantemente y crea formas más fáciles y mejores de animar.
Cómo crear una buena película de animación Tabla de Contenidos
¿Quieres crear una película de animación de calidad? En este artículo te vamos introducir a alto nivel Cómo crear una buena película de animación 2D o 3D dependiendo de tus capacidades y conocimientos.
Aunque parezca difícil, la industria de la animación evoluciona constantemente y crea formas más fáciles y mejores de animar.
Cómo crear una buena película de animación Tabla de Contenidos
Paso 1 Elige un enfoque para tu historia.
Haz una lluvia de ideas sobre tus personajes y desarrolla un argumento para tu historia.
- A veces es más fácil centrarse en un buen personaje principal y hacer que todo gire en torno a él. ¿Quiénes serían los amigos/enemigos de este personaje?
- ¿Quiénes serían sus padres? ¿Cuáles son sus objetivos en la vida?
- ¿Cuál es su actitud cotidiana? Intenta añadir un tema a la vida de este personaje.
- ¿Será una comedia o una tragedia?
Paso 2 Crea un Storyboard.
Dibuja un resumen de lo que ocurrirá en tu película. Pueden ser simples bocetos, ya que no aparecerán en la película final e incluso podrían ser sustituidos o cortados. Piensa en ellos como si fueran las páginas de un libro. No dibujes todos los detalles, pero expresa el sentido de cada parte.
Cuando se planifica un vídeo, el primer paso del proceso es dar vida al guión y presentarlo a otras personas. Un storyboard o guión gráfico es una serie de miniaturas que muestran el desglose del vídeo, ilustrando las escenas clave: cómo será el escenario, quién estará presente y qué acciones tendrán lugar. Suele utilizarse como maqueta para escenas de películas, vídeos musicales, producciones de televisión, etc., y puede crearse a mano o con un medio digital. Sigue leyendo para aprender a trazar tu historia, ilustrar los fotogramas clave y afinar tu storyboard.
1- Trabaja tu historia
Establece una línea de tiempo. Establecer los parámetros de cuándo y dónde tiene lugar tu historia, y decidir en qué orden se desarrollan cronológicamente los acontecimientos de la misma, es la mejor manera de organizar tu historia para que puedas empezar a darle vida.
Si tu historia no es completamente lineal (por ejemplo, si hay flashbacks, flashforwards, perspectivas cambiantes, desenlaces alternativos, múltiples líneas temporales, viajes en el tiempo, etc.), puedes crear una línea de tiempo narrativa.
Haz una lista de los principales acontecimientos de la historia en el orden en que serán contados. Así es como aparecerán en la pantalla.
Si estás haciendo un storyboard para un anuncio, establece qué escenas ocurrirán y en qué orden.
2- Identifica las escenas clave de tu historia.
El objetivo de un guión gráfico es ofrecer al espectador una idea general de cómo se traducirá la historia en la película. No se trata de recrear toda la experiencia en un libro animado, sino de mostrar las partes clave importantes que atraerán al espectador. Piensa en tu historia y haz una lista de los momentos clave que quieres ilustrar en tu guión gráfico.
- Elige escenas que muestren el desarrollo de la trama de principio a fin.
- Es importante mostrar los puntos de inflexión. Cada vez que haya un giro en la trama o un cambio importante, inclúyelo en el guión gráfico para hacer avanzar la historia.
- También es posible que quieras representar los cambios de escenario. Si la historia comienza en una ciudad y se traslada a otra, asegúrate de que quede claro en tus ilustraciones.
- Si estás haciendo un storyboard para un anuncio publicitario, el proceso no es diferente: elige las imágenes clave que representarán el flujo y la dirección de la película de principio a fin. Como pauta general, ten en cuenta que para un típico anuncio de 30 segundos, un guión gráfico no debería tener más de 15 fotogramas. Hay que tener en cuenta una media de dos segundos por fotograma.
3- Decide tu nivel de detalle.
Un guión gráfico puede ser increíblemente detallado, con ilustraciones que representen cada toma. Si estás en las fases preliminares de un largometraje, tienes demasiado terreno que cubrir para ser tan detallado ahora. Sin embargo, es posible que con el tiempo quieras dividir la película en escenas individuales, con un guión gráfico distinto para cada una. Esto te permite crear una representación muy detallada de la progresión de las escenas individuales y es útil para mantenerte organizado durante la realización de la película.
Si estás trabajando en una película y la desglosas plano a plano, crea lo que se llama una lista de planos. Para cada plano de la lista, tendrás que pensar en la composición del plano y en otros detalles relacionados con la forma en que se filmará.
Recuerda que el objetivo del guión gráfico es proporcionar claridad visual y mantener a todos en la misma página. No se supone que sea una obra de arte en sí misma. Adopta un punto de vista práctico cuando se trata del nivel de detalle que eliges para tu guión gráfico. No querrás que el espectador se pierda tratando de interpretar tus ilustraciones en lugar de ver el panorama general.
Un buen guión gráfico será fácilmente comprensible para cualquiera que lo vea. Potencialmente, un director, un camarógrafo, un seleccionador de escenas o incluso un especialista en utilería (sólo por nombrar algunos) pueden referirse al guión gráfico como referencia, guía y dirección.
4- Escribe una descripción de lo que mostrará cada viñeta.
Ahora que sabes qué escenas principales quieres mostrar, piensa en cómo representar la acción en cada ilustración. Repasa tu lista de escenas y escribe una descripción de los elementos más importantes de cada una. Esto te ayudará a determinar qué debes dibujar exactamente para tu guión gráfico.
Por ejemplo, es posible que quieras tener una celda que represente una conversación entre dos personajes principales. ¿Qué hay que transmitir en esta imagen? ¿Los personajes se pelean, sonríen o se dirigen a un destino? En cada dibujo debe haber algún tipo de acción.
Ten en cuenta también el escenario. ¿Es importante tener una vista determinada en el fondo detrás de los personajes?
5- Decide qué medio vas a utilizar en tu plantilla.
Puede dibujar una plantilla básica de guión gráfico a mano, simplemente dividiendo un cartón en cuadros vacíos del mismo tamaño con un lápiz y una regla. La configuración debe ser similar a la de un cómic, con filas de celdas cuadradas que muestren cómo se verá la escena en una pantalla.
Si lo prefieres, puedes utilizar Adobe Illustrator, storyboardthat.com, Microsoft PowerPoint, Storyteller de Amazon o inDesign para crear una plantilla de guión gráfico en formato vertical u horizontal.
Los tamaños de las celdas deben dibujarse en la misma relación de aspecto que el vídeo terminado, como 4:3 para una pantalla de televisión o 16:9 para una pantalla de largometraje. Se pueden adquirir hojas especiales de miniaturas con estas dimensiones.
Una plantilla de storyboard para publicidad debe estar compuesta por marcos rectangulares en los que se insertan los elementos visuales. Si quieres incluir subtítulos, asegúrate de que hay espacio para escribir las descripciones del vídeo. También debe haber una columna para el audio, que es donde se incluyen los diálogos y los sonidos o la música.
Si te encuentras haciendo un storyboard para más de un proyecto, te ayudará tener una buena tableta Wacom™, para poder hacer el boarding directamente en Photoshop.
Si no quieres diseñar las imágenes, puedes contratar a un artista de storyboard para que te proporcione los dibujos. Usted describirá lo que va en cada fotograma y le dará al artista un guión escrito a partir del cual trabajar. Él o ella le proporcionará cuadros ilustrados en blanco y negro o en color que podrá escanear en el tablero en orden secuencial.
6- Esboza tus miniaturas.
Empieza a dar vida a las escenas dibujando los bocetos que has trazado en la plantilla que has diseñado. Esto es sólo un borrador, así que no intentes hacerlo perfecto. A medida que vayas dibujando cada escena, ve modificando los siguientes elementos, borrando y volviendo a dibujar tantas veces como sea necesario:
- Composición (iluminación, primer plano/fondo, paleta de colores, etc.)
- El ángulo desde el que dispara la cámara (alto o bajo)
- El tipo de plano (planos generales, primeros planos, planos por encima del hombro, planos de seguimiento, etc.)
- Atrezzo (objetos en el encuadre)
- Actores (personas, animales, un sofá parlante de dibujos animados, etc.: cualquier cosa que pueda actuar en lugar de ser actuada)
7- Añade otra información importante.
Al lado o debajo de cada celda, rellena tu descripción de lo que ocurre en la escena[3] Incluye el diálogo que tendrá lugar. Añade información sobre la duración de la toma. Por último, numera las celdas para que te resulte fácil consultarlas cuando hables de tu guión gráfico con otras personas.
8- Finaliza el guión gráfico.
Una vez que hayas identificado los puntos clave del tema y hayas elaborado un diseño para cada fotograma, revisa tu trabajo y realiza los cambios finales. Asegúrate de que cada celda represente la acción que quieres que represente. Ajusta las descripciones y los diálogos si es necesario. Es una buena idea que otra persona revise el guión gráfico para asegurarse de que fluye bien y no es confuso[.
Considera la posibilidad de añadir color. Si estás creando un guión gráfico publicitario, esto ayudará a que tus ideas destaquen.
Recuerda que no es necesariamente importante que los dibujos tengan un aspecto realista o perfecto. Dependiendo del público al que se dirijan, pueden bastar unas simples figuras de palo. En la mayoría de los casos, los guiones gráficos no tienen que ser perfectos, sólo tienen que tener sentido para tu equipo.
9- Piense en una perspectiva de tres puntos.
Aunque no es necesario que tus ilustraciones de storyboard parezcan creadas por un artista profesional, hay algunos trucos de artista que puedes utilizar para que tus imágenes se parezcan más a las escenas de una película. Esto no es obligatorio, pero puede ayudar a las personas con las que trabajas a visualizar la toma con mayor claridad.
En lugar de dibujar a todos los personajes como si estuvieran en la misma línea horizontal, ponlos en perspectiva. Haz que algunos se sitúen un poco más lejos de la cámara y otros más cerca. Los que están más lejos de la cámara deben parecer más pequeños, con los pies más arriba en la página, y los que están más cerca deben parecer más grandes, con los pies más abajo en la página.
Cuando llegue el momento de trasladar el guión gráfico a la película, tendrás una idea mucho mejor de cómo dirigir la toma.
10- Incluye motivaciones en tus cortes.
Cuando hagas el storyboard de tu película, piensa en las razones que te llevan a hacer cada corte a una nueva toma. Avanzar en la historia es algo más que saltar al siguiente punto de la trama; tienes que dar una razón de por qué tus personajes hacen lo que hacen. Hacer un storyboard de las motivaciones de tus cortes te ayudará a saber cómo crear tensión y mantener la historia en movimiento a la hora de hacer la película.
Por ejemplo, si quieres cortar de una habitación a otra, haz que un personaje de la primera habitación mire hacia la puerta porque oye un ruido.
Esto ayuda a la continuidad de la historia y mantiene al espectador enganchado.
Imagen titulada
Paso 3 Escribe el guión.
Asegúrate de incluir todo, especialmente el diálogo. Cada detalle cuenta.
Los guiones son el punto de partida (normalmente). Los guionistas no sólo ven un montón de televisión y lo llaman «trabajo», sino que crean nuevos mundos, reinventan los antiguos y dan vida a nuevas voces.
Aquí tienes diez mejores consejos para empezar a trabajar, sin perder la motivacion, pero no te olvides que tienes seguir aprendiendo todos los dias.
- Terminar el guión.
Esto es muy importante. Mucha gente se pasa años dándole vueltas a una idea y nunca avanza. Cuanto más trabajo completes (por muy malo que sea) y sigas adelante, mejor te irá. - Lee mientras miras.
Elige tu programa de televisión o película favorita. Consigue una copia del guión y una bolsa de tus patatas fritas favoritas, y lee el guión mientras lo ves. Es una forma estupenda de descifrar lo que el guionista pretendía y lo que el director aportó a la obra.
- La inspiración puede venir de cualquier parte.
¿Te has quedado sin ideas? Escucha una pieza musical, pon un nombre al azar en un buscador y mira qué imágenes aparecen. Escoge una historia de El Metro y úsala como punto de partida para un personaje, una escena, una historia. Y deja volar tu imaginación. - Asegúrate de que tus personajes quieren algo.
Desde tu protagonista hasta la camarera del café que sirve el té. Cuando sepas lo que tus personajes quieren, tu siguiente trabajo es hacer que les resulte difícil conseguirlo. - Muéstralo. No lo cuentes.
Sea lo que sea lo que quiere o siente un personaje, siempre es más interesante saberlo a través de sus acciones, en lugar de con el diálogo. - Escribe según tus puntos fuertes.
Si eres divertido por naturaleza, introdúcelo en tu trabajo. Si no te gusta la investigación, no empieces con algo que requiera 10 años en la Biblioteca Británica. - Para empezar, escribe sobre lo que sabes
El trabajo. La familia. La infancia. O cosas que te emocionan. Cosas que te enfadan tanto que quieres lanzar ladrillos. Escribe el guión en su lugar. - Libera a tus personajes del cliché
¿Te preocupa estar escribiendo un personaje cliché? ¿Personajes que hayamos visto antes? Entonces cambia un elemento de ese personaje. Cambia su sexo, edad, clase, ocupación. Esto a menudo puede dar la vuelta a un cliché y llevarnos a algo interesante. - Comete errores y aprende de ellos.
El «bloqueo del escritor» es sobre todo el «miedo del escritor». El miedo a equivocarse. A que no le guste a nadie. La idea de que cualquier escritor se sienta frente a su portátil una mañana, y a las 5 de la tarde ya tiene un éxito en sus manos es una tontería (o suerte). - Menos es más.
Mi mejor consejo para las escenas… «empieza tarde y sal pronto». Las escenas no tienen por qué ser historias totalmente realistas: no te preocupes por describir cómo hemos llegado hasta aquí, ¡simplemente ponte a ello!
Paso 4 Define tus personajes y sus historias.
Escribe los perfiles de los personajes para desarrollar los protagonistas de tu película de animación. Incluye muchísimos detalles. Incluso puedes incluir rasgos de tu personaje. ¿Es tu personaje el cómico de la película o es algo más?
Paso 5 Anima tu película.
En este punto deberías haber decidido qué técnica de animación vas a utilizar. Los flip books son baratos y divertidos, pero tienen varios inconvenientes (no hay sonido, la duración de la película es limitada). La animación tradicional tiene una gran calidad, pero lleva mucho tiempo, no es muy eficiente y es bastante costosa. También puedes utilizar un software de animación. Todo depende de ti, el creador.
Imagen titulada Crear una buena película de animación
Animación Paso 1
La animación consiste en una serie de imágenes estáticas presentadas en rápida secuencia para crear la ilusión de movimiento. Hay varias formas de animar: dibujar a mano (flipbook), dibujar y pintar sobre celuloide transparente, stop-motion o utilizar un ordenador para crear imágenes bidimensionales o tridimensionales. Aunque cada método utiliza técnicas diferentes, todos los métodos de animación se basan en los mismos conceptos de cómo engañar al ojo.
Animación Paso 2- Conceptos generales de animación
Planifica la historia que quieres animar. Para animaciones sencillas, como un flipbook, probablemente puedas planificar todo en tu cabeza, pero para trabajos más complejos, necesitas crear un storyboard. Un guión gráfico se asemeja a una tira cómica de gran tamaño, que combina palabras e imágenes para resumir la historia general o una parte determinada de ella[1].
Si tu animación va a utilizar personajes con apariencias complicadas, también tendrás que preparar hojas de modelo que muestren cómo aparecen en varias poses y de cuerpo entero[2].
Animación Paso 3
Decide qué partes de tu historia deben ser animadas y qué partes pueden permanecer estáticas. Normalmente no es necesario, ni rentable, hacer que todos los objetos de la historia se muevan para contar la historia con eficacia. Esto se llama animación limitada[3].
Para un dibujo animado que represente a Superman volando, tal vez quieras mostrar sólo la capa del Hombre de Acero ondeando y las nubes zumbando desde el primer plano hasta el fondo en un cielo que, por lo demás, es estático. En el caso de un logotipo animado, es posible que sólo se muestre el nombre de la empresa girando para llamar la atención, y sólo durante un número fijo de veces, para que la gente pueda leer el nombre con claridad.
La animación limitada en los dibujos animados tiene la desventaja de no parecer especialmente realista. En el caso de los dibujos animados dirigidos a niños pequeños, esto no es tan preocupante como en las obras animadas destinadas a un público mayor.
Animación Paso 4
Determina qué partes de la animación puedes hacer de forma repetitiva. Ciertas acciones pueden dividirse en representaciones secuenciales que pueden reutilizarse varias veces en una secuencia de animación.
- Dicha secuencia se denomina bucle Las acciones que pueden repetirse son las siguientes
- Rebote de la pelota.
- Caminar/correr.
- Movimiento de la boca (hablar).
- Saltar a la cuerda.
- Aleteo de las alas/del paisaje.
Animación paso 5
Consigue un número de hojas de papel que puedas hojear. Un flipbook consiste en un número de hojas de papel, normalmente unidas por un borde, que crea la ilusión de movimiento cuando se agarra el borde opuesto con el pulgar y se pasa por las páginas. Cuantas más hojas tenga el libro, más realista será el movimiento. (Una película de acción real utiliza 24 cuadros/imágenes por cada segundo, mientras que la mayoría de los dibujos animados utilizan 12). Puedes hacer el libro real de varias maneras:
Grapar o encuadernar hojas de papel de escribir o de construcción.
Utiliza un bloc de notas.
Utiliza un bloc de notas adhesivas.
Animación Paso 6
Cree las imágenes individuales. Puedes crear las imágenes de la animación de tu libro animado de varias maneras:
- Dibujarlas a mano. Si lo haces así, empieza con imágenes sencillas (figuras de palo) y fondos, y aborda gradualmente dibujos más complejos. Tendrás que tener cuidado de que los fondos sean consistentes de una página a otra para evitar un aspecto movido al pasar las páginas.
- Fotografías. Puedes hacer varias fotos digitales, imprimirlas en hojas de papel y encuadernarlas, o utilizar un programa informático para crear un libro animado digital. Lo más fácil es hacer esto si tu cámara tiene un modo de ráfaga de fotos que te permita hacer varias fotos mientras mantienes pulsado el botón.
- Vídeo digital. Algunas parejas de recién casados optan por crear flipbooks de mesa de café de su boda, utilizando una parte del vídeo grabado durante la misma. Para extraer fotogramas individuales de vídeo es necesario utilizar un ordenador y un programa de edición de vídeo, y muchas parejas optan por subir sus vídeos a empresas online como FlipClips.com.
Animación Paso 7
Ensambla las imágenes. Si has dibujado las imágenes a mano en un bloc de notas ya encuadernado, el montaje está hecho por ti. De lo contrario, organice las imágenes con la primera imagen en la parte inferior de la pila y la última imagen en la parte superior y encuadre las hojas juntas.
Puede experimentar dejando fuera o reordenando algunas de las imágenes para que la animación parezca más brusca o cambiar el patrón de animación antes de encuadernar el libro.
Animación Paso 8
Pase las páginas. Dobla las páginas hacia arriba con el pulgar y suéltalas a una velocidad uniforme. Deberías ver una imagen en movimiento.
Los animadores de pluma utilizan una técnica similar con los dibujos preliminares antes de colorearlos y pintarlos. Los colocan uno encima de otro, del primero al último, y luego mantienen presionado uno de los bordes mientras pasan los dibujos.
Animación Paso 9
Prepara el storyboard. La mayoría de los proyectos de animación creados con tinta y lápiz requieren un gran equipo de artistas para su realización. Esto requiere la creación de un guión gráfico para guiar a los animadores, así como para comunicar la historia propuesta a los productores antes de que comience el trabajo de dibujo real.
Animación Paso 10
Grabar una banda sonora preliminar. Dado que es más fácil coordinar una secuencia animada con una banda sonora que una banda sonora con una secuencia animada, es necesario grabar una banda sonora preliminar, o «scratch», compuesta por estos elementos
- Voces de los personajes
- Las voces de las canciones
- Una pista musical provisional. La pista final, junto con cualquier efecto de sonido, se añade en la postproducción.
Los dibujos animados anteriores a la década de 1930 y posteriores a ella realizaban primero la animación y luego el sonido. Los estudios Fleischer lo hicieron así en sus primeros dibujos animados de Popeye, que requerían que los actores de doblaje improvisaran entre los puntos del guión del diálogo. Esto explica los graciosos murmullos de Popeye en dibujos animados como «Choose Your Weppins».
Animación Paso 11
Haz un carrete de historia preliminar. Este carrete, o animatic, sincroniza la banda sonora con el storyboard para encontrar y corregir errores de sincronización en la banda sonora o en el guión.
Las agencias de publicidad utilizan tanto los animatics como los fotomáticos, una serie de fotografías digitales secuenciadas para hacer una animación cruda. Suelen crearse con fotos de archivo para reducir el coste.
Animación Paso 12
Crea hojas de modelo para los personajes principales y el atrezzo importante. Estas hojas muestran los personajes y los objetos desde varios ángulos, así como el estilo en el que se van a dibujar los personajes. Algunos personajes y objetos pueden modelarse en tres dimensiones utilizando accesorios llamados maquetas (pequeños modelos a escala).
También se crean hojas de referencia para los fondos necesarios para el lugar donde se desarrolla la acción.
Animación Paso Paso 13
Afine la sincronización. Repasa el animatic para ver qué poses, movimientos de labios y otras acciones serán necesarias para cada fotograma de la historia. Escribe estas poses en una tabla llamada hoja de exposición (hoja X).
Si la animación se desarrolla principalmente con música, como en el caso de Fantasía, también puedes crear una hoja de compases para coordinar la animación con las notas de la partitura. Para algunas producciones, la hoja de compases puede sustituir a la hoja X.
Animación Paso 14
Distribuya las escenas de la historia. Los dibujos animados se diseñan de forma similar a la forma en que un director de fotografía bloquea las escenas en una película de acción real. En las grandes producciones, grupos de artistas diseñan la apariencia del fondo en términos de ángulos y trayectorias de la cámara, iluminación y sombreado, mientras que otros artistas desarrollan las poses necesarias para cada personaje en una escena determinada. En producciones más pequeñas, el director puede tomar todas estas decisiones.
Animación Paso Step 15
Cree un segundo animatic. Este animatic se compone de los dibujos del storyboard y del layout, con la banda sonora. Cuando el director lo aprueba, comienza la animación propiamente dicha.
Animación Paso 16
Dibuje los fotogramas. En la animación tradicional, cada fotograma se dibuja a lápiz en papel transparente perforado en los bordes para que encaje en las clavijas de un marco físico llamado barra de clavijas, que a su vez se fija a un escritorio o a una mesa de luz. La barra de clavijas impide que el papel se deslice para que cada elemento de la escena que se está representando aparezca donde se supone que debe hacerlo.
Normalmente, sólo se renderizan primero los puntos y acciones clave. Se hace una prueba de lápiz, utilizando fotos o escaneos de los dibujos sincronizados con la banda sonora para asegurarse de que los detalles son correctos. Sólo entonces se añaden los detalles, tras lo cual también se prueban a lápiz. Una vez comprobado todo, se envía a otro animador, que lo redibuja para darle un aspecto más consistente.
En las grandes producciones, se puede asignar un equipo de animadores a cada personaje, en el que el animador principal se encarga de los puntos y acciones clave y los ayudantes de los detalles. Cuando los personajes dibujados por equipos distintos interactúan, los animadores principales de cada personaje determinan cuál es el personaje principal de la escena, y ese personaje se renderiza primero, mientras que el segundo personaje se dibuja para reaccionar a las acciones del primero.
En cada fase de dibujo se crea un animatic revisado, lo que equivale aproximadamente a los «rushes» diarios de las películas de acción real.
A veces, normalmente cuando se trabaja con personajes humanos dibujados de forma realista, los dibujos de los fotogramas se trazan sobre fotogramas de actores y decorados en la película. Este proceso, desarrollado en 1915 por Max Fleischer, se denomina rotoscopia.
Animación Paso 17
Pinta los fondos. Mientras se dibujan los fotogramas, los dibujos del fondo se convierten en «decorados» para fotografiar los dibujos de los personajes. Aunque hoy en día se suele hacer de forma digital, la pintura puede hacerse de forma tradicional con uno de los distintos medios:
Gouache (una forma de acuarela con partículas de pigmento más gruesas)[7]
Pintura acrílica
Óleo
Acuarela
Animación Paso 18
Transfiera los dibujos a los fotogramas. La abreviatura de «celuloide» es una hoja de plástico fina y transparente. Al igual que el papel de dibujo, sus bordes están perforados para encajar en las clavijas de una barra de clavijas. Las imágenes pueden calcarse de los dibujos con tinta o fotocopiarse en el cel. A continuación, se pinta el cel en el reverso utilizando el mismo tipo de pintura para pintar el fondo.
Sólo se pinta la imagen del personaje sobre el objeto en el móvil; el resto se deja sin pintar.
Una forma más sofisticada de este proceso se desarrolló para la película The Black Cauldron. Los dibujos se fotografiaron en una película de alto contraste. Los negativos se revelaron en fotogramas cubiertos con un tinte sensible a la luz. La parte no expuesta de la celda se limpiaba químicamente y los pequeños detalles se entintaban a mano.
Animación Paso 19
Colocar las capas y fotografiar los fotogramas. Todas las células se colocan en la barra de clavijas; cada célula lleva una referencia para indicar dónde está colocada en la pila. Se coloca una lámina de vidrio sobre la pila para aplanarla y se fotografía. A continuación se retiran las células, se crea una nueva pila y se fotografía. El proceso se repite hasta que cada escena está compuesta y fotografiada.
A veces, en lugar de colocar todos los fotogramas en una sola pila, se crean varias pilas y la cámara se mueve hacia arriba o hacia abajo a través de las pilas. Este tipo de cámara se llama cámara multiplano y se utiliza para añadir la ilusión de profundidad.
Se pueden añadir superposiciones sobre la celda de fondo, sobre las celdas de los personajes o sobre todas las celdas para añadir profundidad y detalles adicionales a la imagen resultante antes de fotografiarla.
Animación Paso 20
Empalme las escenas fotografiadas. Las imágenes individuales se secuencian juntas como fotogramas de la película, que, cuando se ejecutan en secuencia, producen la ilusión de movimiento.
Animación Paso 21
Prepara el guión gráfico. Al igual que con otras formas de animación, un guión gráfico proporciona una guía a los animadores y un medio para comunicar a los demás cómo debe fluir la historia.
Animación Paso 22
Elige el tipo de objetos que se van a animar. Al igual que la animación con lápiz y tinta, la animación stop-motion se basa en la creación de numerosos cuadros de imágenes que se muestran en rápida secuencia para producir la ilusión de movimiento. Sin embargo, la animación stop-motion suele utilizar objetos tridimensionales, aunque no siempre es así. Para la animación stop-motion se puede utilizar cualquiera de los siguientes elementos:
- Recortes de papel. Puedes cortar o rasgar trozos de papel en partes de figuras humanas y animales y colocarlos sobre un fondo dibujado para producir una burda animación bidimensional.
- Muñecas o juguetes de peluche. Más conocida por las producciones animadas de Rankin-Bass, como Rudolph, el reno de la nariz roja o Santa Claus viene a la ciudad, y por Robot Chicken, de Adult Swim, esta forma de stop-motion se remonta a The Humpty Dumpty Circus, de Albert Smith y Stuart Blackton, de 1897. Sin embargo, si quieres que tus animales de peluche muevan los labios al hablar, tendrás que crear recortes para los distintos modelos de labios que podrás pegar.
- Figuras de arcilla. Las Pasas de California animadas por Will Vinton son los ejemplos modernos más conocidos de esta técnica, pero ésta se remonta a la obra Modelling Extraordinary, de 1912, y fue el método que convirtió a Gumby, de Art Clokey, en una estrella de la televisión en la década de 1950. Es posible que haya que utilizar armaduras para algunas figuras de arcilla y bases de piernas preesculpidas, como hizo Marc Paul Chinoy en su película de 1980 I go Pogo.
- Modelos. Las maquetas pueden ser de criaturas o vehículos reales o de fantasía. Ray Harryhausen utilizó la animación stop-motion para las criaturas fantásticas de películas como Jasón y los argonautas y El viaje dorado de Simbad. Industrial Light & Magic utilizó la animación stop-motion de vehículos para hacer que los AT-ATs caminaran por los helados páramos de Hoth en El Imperio Contraataca.
Animación Paso 23
Graba una banda sonora preliminar. Al igual que con la animación a lápiz y tinta, necesitarás tener una banda sonora para sincronizar la acción. Es posible que tengas que crear una hoja de exposición, una hoja de barras, o ambas.
Animación Paso 24
Sincroniza la banda sonora y el guión gráfico. Al igual que en las animaciones a lápiz y tinta, es conveniente que calcules la sincronización entre la banda sonora y la animación antes de empezar a mover los objetos.
Si tienes previsto que los personajes hablen, tendrás que calcular las formas correctas de la boca para el diálogo que van a pronunciar.
También puede ser necesario crear algo similar al fotomatón descrito en la sección sobre la animación con lápiz y tinta.
Animación Paso 25
Traza las escenas de la historia. Esta parte de la animación stop-motion también es similar a la forma en que un director de fotografía traza una película de imagen real, incluso más que en el caso de la animación a lápiz y tinta, ya que lo más probable es que trabajes en tres dimensiones como en una película de imagen real.
Al igual que en las películas de acción real, es más probable que tengas que preocuparte por la iluminación de la escena en lugar de dibujar los efectos de luz y sombra, como harías en la animación a lápiz y tinta.
Animación Paso 26
Prepara y fotografía los componentes de la escena. Probablemente querrás tener la cámara montada en un trípode para mantenerla estable durante la secuencia de disparo. Si tiene un temporizador que le permite tomar fotos automáticamente, puede utilizarlo si puede configurarlo por períodos lo suficientemente largos como para permitirle ajustar los componentes durante la escena.
Animación Paso 27
Mueva los elementos que necesite mover y vuelva a fotografiar la escena. Repite esto hasta que hayas terminado de fotografiar toda la escena de principio a fin.
El animador Phil Tippett desarrolló una forma de tener parte del movimiento de los modelos controlado por ordenador para producir movimientos más realistas. Llamado «go motion», este método se utilizó en El Imperio Contraataca, así como en Dragonslayer, RoboCop y RoboCop II[10].
Animación Paso 28
Ensamble las imágenes fotografiadas en una secuencia. Al igual que con los fotogramas fotografiados en la animación a lápiz y tinta, los planos individuales de la animación stop-motion se convierten en fotogramas de película que producen la ilusión de movimiento cuando se ejecutan uno tras otro.
Animación Paso 29
Decide si quieres especializarte en animación bidimensional o tridimensional. La animación por ordenador hace que hacer una animación bidimensional o tridimensional sea más fácil que hacer el trabajo a mano.
La animación tridimensional requiere aprender otras habilidades además de la animación. Tendrás que aprender a iluminar una escena y también a crear la ilusión de textura.
Animación Paso 30
Elige el equipo informático adecuado. La cantidad de ordenador que necesitas depende de si estás haciendo animación 2D o 3D.
Para la animación 2D, un procesador rápido es útil, pero no absolutamente necesario. No obstante, consigue un procesador de cuatro núcleos si te lo puedes permitir, y al menos un procesador de dos núcleos si compras un ordenador de segunda mano.
Sin embargo, para la animación en 3D, es necesario el procesador más rápido que puedas permitirte debido a todo el trabajo de renderización que vas a realizar. También querrás tener una cantidad significativa de memoria para soportar ese procesador. Lo más probable es que tengas que gastar varios miles de dólares en una nueva estación de trabajo.
Para cualquiera de las dos formas de animación, querrás un monitor tan grande como tu área de trabajo prevista pueda acomodar, y puede que quieras considerar una configuración de dos monitores si tienes varias ventanas de programas orientados al detalle abiertas a la vez. Algunos monitores, como el Cintiq, están diseñados específicamente para la animación.
También deberías considerar el uso de una tableta gráfica, un dispositivo de entrada conectado a tu ordenador con una superficie sobre la que dibujas con un lápiz óptico, como la Intuos Pro, en lugar de un ratón. Al principio, es posible que quieras utilizar un lápiz óptico más barato para trazar sobre tus dibujos a lápiz y transferir las imágenes a tu ordenador.
Animación Paso 31
Elija un software adecuado a su nivel de conocimientos. Existen programas para la animación en 2D y 3D, con opciones económicas para los principiantes y otras más sofisticadas y costosas a las que puedes ir migrando según tu presupuesto y habilidad.
Para la animación 2D, puedes producir imágenes animadas rápidamente utilizando Adobe Flash, con la ayuda de uno de los muchos tutoriales gratuitos disponibles. Cuando estés preparado para aprender a animar fotograma a fotograma, puedes utilizar un programa de gráficos como Adobe Photoshop o un programa que tenga una función similar a la de la línea de tiempo de Photoshop.
Para la animación 3D, puedes empezar con programas gratuitos como Blender y luego pasar a programas más sofisticados como Cinema 4D o el estándar de la industria, Autodesk Maya[16].
Practica. Sumérgete en el software que has elegido, aprendiendo a crear con él y luego sentándote a crear tus propias animaciones. Compila estas animaciones en un carrete de demostración que puedas mostrar a otros, ya sea de forma individual o en línea.
Cuando explores tu paquete de software de animación, echa un vistazo a la «Tercera Parte: Creación de animaciones a lápiz y tinta» si su software es para animación 2D y «Parte cuatro: Creación de animación Stop-Motion» para determinar qué partes del proceso el software automatizará para usted y qué partes tendrá que hacer fuera de él.
Puedes publicar los vídeos en tu propio sitio web, que debe estar registrado a tu nombre o al de tu empresa.
También puedes publicar en un sitio como YouTube o Vimeo. Vimeo te permite cambiar el vídeo que estás publicando sin cambiar el enlace al mismo, lo que puede ser útil cuando hayas creado tu última obra maestra[17].
Paso 6 Edita tu película.
Decide si hay algo que te gustaría cambiar de tu película o algo que no te gusta de ella. Recórtalo si es así.
Los fundamentos del montaje cinematográfico (y cómo editar una película)
Aunque toda la industria del cine y el vídeo ha evolucionado en las últimas décadas, ninguna parte de la producción cinematográfica ha cambiado más significativamente que el montaje de películas.
Si bien en un principio era un arte que se realizaba a mano y con tijeras y cinta adhesiva para proyectos cinematográficos, hoy en día los editores deben aprender a editar contenidos para YouTube, además de, ya sabes, entender cómo editar el sonido.
(Ah, sí, puede que incluso tengas que aprender a editar en tu smartphone también).
Así que, si es la primera vez que te dedicas a la edición de películas (y a cómo editar una película), tenemos un montón de consejos de edición de vídeo que te ayudarán a evitar los errores básicos de edición de vídeo que la mayoría de los editores cometen cuando empiezan.
Sin embargo, dicen que la mejor manera de aprender es haciendo. Por eso, con los actuales sistemas de edición no lineal (NLE) y las aplicaciones de vídeo para smartphones, las opciones para explorar por ensayo y error son mayores que nunca.
Ahora vamos a repasar algunos de los principios y directrices básicos para la edición de vídeo. También te daremos un poco de historia y perspectiva sobre este proceso para ayudarte a empezar tu viaje de edición.
¿Qué es el montaje de películas?
Empecemos con una definición básica del arte del montaje de películas. Así es como describimos el montaje cinematográfico como parte del proceso de realización de películas en términos actuales:
Como parte del proceso de postproducción, el montaje de películas es la parte técnica y creativa que consiste en convertir las tomas individuales de un proyecto en un proyecto cinematográfico completo y conectado.
El montaje de una película también suele denominarse «corte de película» o simplemente «corte». Tradicionalmente, esta era una forma de describir el acto físico de cortar (o empalmar) tiras de película para convertirlas en una película completa, que era como trabajaba la industria en los días analógicos.
Aunque hoy en día todavía se realiza algún tipo de corte analógico, la mayor parte de la edición de películas se lleva a cabo digitalmente a través de diferentes programas y aplicaciones de edición de vídeo como Adobe Premiere Pro, Final Cut Pro, Avid Media Composer o DaVinci Resolve.
Metraje de película frente a videoclips
Antes de entrar en materia, debemos hablar de las diferencias entre la edición de material de archivo para un proyecto cinematográfico y la edición de videoclips para cualquier proceso de producción.
Aunque es evidente que hay un gran solapamiento entre los dos, es importante reconocer que el término «montaje de películas» abarca tanto una forma de arte más amplia y holística de la visión del director como la forma más técnica de simplemente cortar dos archivos de vídeo. No es tan diferente de hacer vídeos en YouTube o incluso una historia de Instagram.
Sin embargo, a medida que las tecnologías digitales sigan avanzando y los cineastas y creadores de contenidos encuentren más e innovadoras formas de combinar estos dos mundos, lo más probable es que esta distinción empiece a desaparecer por completo.
¿En qué consiste el proceso de montaje de una película?
Ahora que nos centramos en el montaje de películas como forma de arte, vamos a repasar todos los pasos del proceso de postproducción.
Cuando se rueda una película o un proyecto de vídeo propiamente dicho, hay realmente tres etapas distintas de producción de vídeo. Desde un punto de vista global, tenemos la preproducción, la producción y la postproducción. Y a partir de ahí, cada una de estas etapas puede separarse en un montón de subsecciones más pequeñas.
La postproducción no es diferente, y se podrían desglosar aún más las etapas del proceso de postproducción (o edición de películas) para incluir
- Etapa de montaje (o preedición)
- Etapa de edición
- Etapa de corrección de color y gradación
- Etapa de edición y diseño de sonido
- Etapa de formateo y exportación
Pero esto es sólo un esquema, porque cada proyecto de montaje de una película es único. Y aunque parezcan secciones distintas, muchas de estas etapas se desarrollan en realidad fuera de orden o incluso al mismo tiempo.
En el pasado, muchas de estas etapas podían ser realizadas por expertos independientes. Sin embargo, con las herramientas digitales de hoy en día y la formación en línea disponible, la mayoría de estas etapas pueden ser manejadas por un solo editor – cuando se utilizan las técnicas adecuadas, por supuesto.
Tipos de técnicas de edición
Ahora vamos a repasar algunos de los trucos y técnicas básicas para el montaje de películas. Por supuesto, hay mucho que cubrir, pero también hay mucho que explorar y experimentar. Lo ideal es que estas técnicas clásicas te sirvan de punto de partida para encontrar tu propio estilo de edición y flujo de trabajo.
Edición de continuidad
La primera técnica (o «regla») que hay que aprender es el concepto de montaje de continuidad. Como su nombre indica, el montaje de continuidad es el arte de cortar las tomas para crear una secuencia o escena que parezca conectada y continua.
Esta forma de edición se ve en casi todas las películas, programas de televisión o contenidos de vídeo en general. Y cuando se hace correctamente, no se nota en absoluto: simplemente parece que las tomas están conectadas y cortadas de forma natural, lo que permite al público disfrutar de la presentación. (Las escenas de diálogo son un gran ejemplo de ello).
Hay varias subtécnicas que explorar dentro del montaje de continuidad, como el match cutting y el eye-line matching (también llamado eye-tracing). Se trata de pequeños trucos que los editores de cine utilizan para mantener la conexión y la fluidez.
Puedes leer más sobre los fundamentos de esta técnica de «montaje invisible» en este artículo sobre los fundamentos del montaje de continuidad.
Montaje de discontinuidad
En el otro extremo del espectro, también tenemos que hablar de la forma de arte opuesta: el montaje de discontinuidad.
Esta técnica es cualquier estilo de edición de vídeo que va en contra de la continuidad de una escena o secuencia. Estas interrupciones suelen ser realizadas por los editores con un propósito específico (y si no es así, deben ser clasificadas como errores y pueden sacar rápidamente al público del momento).
Sin embargo, se pueden encontrar ejemplos de discontinuidad en la acción cada vez que se ven cortes de salto estilísticos o jump scares, u otras técnicas no lineales. La mayoría de ellas se realizan con carácter experimental o evocador para introducir al público en la historia.
Para saber más sobre la edición de la discontinuidad, profundiza en este fascinante artículo sobre cómo los YouTubers utilizan los jump cuts.
Teoría del montaje
También puedes combinar aspectos de la edición de continuidad y de discontinuidad, como el complejo (pero poderoso) proceso de la teoría del montaje. La teoría del montaje es un enfoque que proviene de los cineastas soviéticos de la década de 1920 como una forma experimental de conectar planos que en un principio podrían no parecer continuos, pero que acaban pareciendolo.
Hoy en día, se ven montajes en todo tipo de proyectos cinematográficos. Y pueden variar en cuanto a la desconexión o conexión de las tomas y la historia que intentan contar. Sin embargo, cuando se hace correctamente, esta técnica es estupenda para conectar las tomas de la cámara con la calidad de un largometraje.
Consulta este artículo adicional que define mejor la teoría del montaje soviético y explora cómo los cineastas pueden utilizarla hoy en día.
El efecto Kuleshov
Antes de adentrarnos en estos tipos básicos de montaje que todo editor de vídeo debería conocer, también debemos retroceder y explorar algunos principios fundamentales de la realización cinematográfica. Uno de estos componentes clave del cine se conoce como efecto Kuleshov y es una gran introducción a la teoría de construcción de planos y escenas que guía los fundamentos de la edición.
Si no estás familiarizado, puedes leer mucho más sobre el tema en este artículo que explora lo que los cineastas pueden aprender del efecto Kuleshov.
El corte de la imagen
Para profundizar en algunos de los principios básicos de la edición de vídeo, también debemos hablar un poco del match cutting y de cómo funciona la transición entre dos planos. Hay mucha teoría que explorar, pero el match cut puede ser una herramienta poderosa para ayudar a la audiencia a conectar realmente dos tomas entre sí, ya sea a través de la acción, los elementos gráficos o las señales de audio.
Lee este artículo para saber más sobre el uso de los match cuts en la edición de películas y vídeos.
Edición paralela (y cortes cruzados)
Otra técnica de edición de vídeo que comparte muchos aspectos con otras técnicas es la edición paralela o los cortes cruzados. Se trata de un enfoque de edición para cortar juntos el material cinematográfico de varias escenas o secuencias a la vez.
Aunque los dos términos suelen utilizarse indistintamente, el montaje paralelo es el más matizado de los dos enfoques. Su objetivo es ayudar al público a conectar dos escenas temáticamente, mientras que el montaje cruzado es más bien una decisión orientada al entretenimiento y destinada a crear tensión en las escenas que están interconectadas de forma crítica.
Aprende más sobre el cross-cutting en este artículo completo sobre los fundamentos de la técnica de montaje en paralelo.
Cortes e inserciones
Los cortes e inserciones son otra técnica cinematográfica utilizada tanto en la producción como en la postproducción. Desde el punto de vista del rodaje, los cutaways y los insertos son planos individuales grabados en el plató con el objetivo específico de ser editados posteriormente en una escena.
Desde el punto de vista del montaje, estos cortes e inserciones se utilizan a discreción del montador. Cuando no están específicamente indicados en el guión gráfico, se utilizan como una herramienta para «cortar» una parte de la escena para cubrir un error, o como una forma de resaltar un objeto o elemento para conseguir un efecto dramático.
Sin embargo, trabajar con este tipo de cortes puede ser complicado, así que asegúrate de leer más a fondo en este artículo sobre cómo añadir tomas de corte e inserciones en tus vídeos.
Cortes en J y L
Pasemos a ver cómo se puede utilizar el audio junto con el vídeo en el montaje de películas. Los cortes en J y en L son técnicas utilizadas por los editores para introducir el audio de una toma diferente antes o después de la actual.
Y aunque este concepto puede resultar un poco confuso, en realidad es bastante sencillo y común en todo tipo de películas y vídeos. Ya sea el silbido de un tren en la siguiente escena o las palabras de un personaje que resuenan en la siguiente toma, habrás visto estos cortes en acción.
El corte en J es el término para cualquier transición en la que el audio de la siguiente toma entra antes, y un corte en L es el término para cualquier transición en la que el audio permanece debajo de la siguiente toma. Los nombres J y L provienen de las formas que hacen en una línea de tiempo de edición de vídeo con el audio sobresaliendo a la izquierda o a la derecha del clip anterior.
Si estos ejemplos te siguen pareciendo un poco confusos (lo cual es comprensible), tenemos un gran artículo aquí que desglosa los fundamentos de los cortes en J y en L.
Transiciones y disolvencias
Por último, entre las técnicas de edición de películas hay que incluir la multitud de transiciones y disolvencias que encontrarás como forma de conectar dos (o a veces más) tomas.
Al principio, la principal forma de transición entre dos planos es un corte duro. Los ves todo el tiempo y son la transición por defecto de la mayoría de los programas y aplicaciones.
Sin embargo, como descubrirás rápidamente en cualquier película o proyecto de vídeo, la mayoría de las tomas se conectan con diferentes efectos de transición. La lista de opciones incluye disolvencias, fundidos, empujes, tirones y otras técnicas experimentales.
Merece la pena explorar y comprender el efecto que estas transiciones tienen en el público, ya que una transición bien colocada puede ser útil para crear tensión, conectar temas o incluso hacer saber al público que el tiempo pasa o se acelera.
Paso 7 Presenta tu película.
Intenta enseñar tu película lo más que puedas:
- en tu circulo de familiares y amigos
- círculos profesionales del sector
- En internet ( youtube, vimeo, etc
- en festivales de animación
Iremos creando información más detallada sobre el proceso de animación que podrás encontrar en nuestro blog.
Paso 1 Elige un enfoque para tu historia.
Haz una lluvia de ideas sobre tus personajes y desarrolla un argumento para tu historia.
- A veces es más fácil centrarse en un buen personaje principal y hacer que todo gire en torno a él. ¿Quiénes serían los amigos/enemigos de este personaje?
- ¿Quiénes serían sus padres? ¿Cuáles son sus objetivos en la vida?
- ¿Cuál es su actitud cotidiana? Intenta añadir un tema a la vida de este personaje.
- ¿Será una comedia o una tragedia?
Paso 2 Crea un Storyboard.
Dibuja un resumen de lo que ocurrirá en tu película. Pueden ser simples bocetos, ya que no aparecerán en la película final e incluso podrían ser sustituidos o cortados. Piensa en ellos como si fueran las páginas de un libro. No dibujes todos los detalles, pero expresa el sentido de cada parte.
Cuando se planifica un vídeo, el primer paso del proceso es dar vida al guión y presentarlo a otras personas. Un storyboard o guión gráfico es una serie de miniaturas que muestran el desglose del vídeo, ilustrando las escenas clave: cómo será el escenario, quién estará presente y qué acciones tendrán lugar. Suele utilizarse como maqueta para escenas de películas, vídeos musicales, producciones de televisión, etc., y puede crearse a mano o con un medio digital. Sigue leyendo para aprender a trazar tu historia, ilustrar los fotogramas clave y afinar tu storyboard.
1- Trabaja tu historia
Establece una línea de tiempo. Establecer los parámetros de cuándo y dónde tiene lugar tu historia, y decidir en qué orden se desarrollan cronológicamente los acontecimientos de la misma, es la mejor manera de organizar tu historia para que puedas empezar a darle vida.
Si tu historia no es completamente lineal (por ejemplo, si hay flashbacks, flashforwards, perspectivas cambiantes, desenlaces alternativos, múltiples líneas temporales, viajes en el tiempo, etc.), puedes crear una línea de tiempo narrativa.
Haz una lista de los principales acontecimientos de la historia en el orden en que serán contados. Así es como aparecerán en la pantalla.
Si estás haciendo un storyboard para un anuncio, establece qué escenas ocurrirán y en qué orden.
2- Identifica las escenas clave de tu historia.
El objetivo de un guión gráfico es ofrecer al espectador una idea general de cómo se traducirá la historia en la película. No se trata de recrear toda la experiencia en un libro animado, sino de mostrar las partes clave importantes que atraerán al espectador. Piensa en tu historia y haz una lista de los momentos clave que quieres ilustrar en tu guión gráfico.
- Elige escenas que muestren el desarrollo de la trama de principio a fin.
- Es importante mostrar los puntos de inflexión. Cada vez que haya un giro en la trama o un cambio importante, inclúyelo en el guión gráfico para hacer avanzar la historia.
- También es posible que quieras representar los cambios de escenario. Si la historia comienza en una ciudad y se traslada a otra, asegúrate de que quede claro en tus ilustraciones.
- Si estás haciendo un storyboard para un anuncio publicitario, el proceso no es diferente: elige las imágenes clave que representarán el flujo y la dirección de la película de principio a fin. Como pauta general, ten en cuenta que para un típico anuncio de 30 segundos, un guión gráfico no debería tener más de 15 fotogramas. Hay que tener en cuenta una media de dos segundos por fotograma.
3- Decide tu nivel de detalle.
Un guión gráfico puede ser increíblemente detallado, con ilustraciones que representen cada toma. Si estás en las fases preliminares de un largometraje, tienes demasiado terreno que cubrir para ser tan detallado ahora. Sin embargo, es posible que con el tiempo quieras dividir la película en escenas individuales, con un guión gráfico distinto para cada una. Esto te permite crear una representación muy detallada de la progresión de las escenas individuales y es útil para mantenerte organizado durante la realización de la película.
Si estás trabajando en una película y la desglosas plano a plano, crea lo que se llama una lista de planos. Para cada plano de la lista, tendrás que pensar en la composición del plano y en otros detalles relacionados con la forma en que se filmará.
Recuerda que el objetivo del guión gráfico es proporcionar claridad visual y mantener a todos en la misma página. No se supone que sea una obra de arte en sí misma. Adopta un punto de vista práctico cuando se trata del nivel de detalle que eliges para tu guión gráfico. No querrás que el espectador se pierda tratando de interpretar tus ilustraciones en lugar de ver el panorama general.
Un buen guión gráfico será fácilmente comprensible para cualquiera que lo vea. Potencialmente, un director, un camarógrafo, un seleccionador de escenas o incluso un especialista en utilería (sólo por nombrar algunos) pueden referirse al guión gráfico como referencia, guía y dirección.
4- Escribe una descripción de lo que mostrará cada viñeta.
Ahora que sabes qué escenas principales quieres mostrar, piensa en cómo representar la acción en cada ilustración. Repasa tu lista de escenas y escribe una descripción de los elementos más importantes de cada una. Esto te ayudará a determinar qué debes dibujar exactamente para tu guión gráfico.
Por ejemplo, es posible que quieras tener una celda que represente una conversación entre dos personajes principales. ¿Qué hay que transmitir en esta imagen? ¿Los personajes se pelean, sonríen o se dirigen a un destino? En cada dibujo debe haber algún tipo de acción.
Ten en cuenta también el escenario. ¿Es importante tener una vista determinada en el fondo detrás de los personajes?
5- Decide qué medio vas a utilizar en tu plantilla.
Puede dibujar una plantilla básica de guión gráfico a mano, simplemente dividiendo un cartón en cuadros vacíos del mismo tamaño con un lápiz y una regla. La configuración debe ser similar a la de un cómic, con filas de celdas cuadradas que muestren cómo se verá la escena en una pantalla.
Si lo prefieres, puedes utilizar Adobe Illustrator, storyboardthat.com, Microsoft PowerPoint, Storyteller de Amazon o inDesign para crear una plantilla de guión gráfico en formato vertical u horizontal.
Los tamaños de las celdas deben dibujarse en la misma relación de aspecto que el vídeo terminado, como 4:3 para una pantalla de televisión o 16:9 para una pantalla de largometraje. Se pueden adquirir hojas especiales de miniaturas con estas dimensiones.
Una plantilla de storyboard para publicidad debe estar compuesta por marcos rectangulares en los que se insertan los elementos visuales. Si quieres incluir subtítulos, asegúrate de que hay espacio para escribir las descripciones del vídeo. También debe haber una columna para el audio, que es donde se incluyen los diálogos y los sonidos o la música.
Si te encuentras haciendo un storyboard para más de un proyecto, te ayudará tener una buena tableta Wacom™, para poder hacer el boarding directamente en Photoshop.
Si no quieres diseñar las imágenes, puedes contratar a un artista de storyboard para que te proporcione los dibujos. Usted describirá lo que va en cada fotograma y le dará al artista un guión escrito a partir del cual trabajar. Él o ella le proporcionará cuadros ilustrados en blanco y negro o en color que podrá escanear en el tablero en orden secuencial.
6- Esboza tus miniaturas.
Empieza a dar vida a las escenas dibujando los bocetos que has trazado en la plantilla que has diseñado. Esto es sólo un borrador, así que no intentes hacerlo perfecto. A medida que vayas dibujando cada escena, ve modificando los siguientes elementos, borrando y volviendo a dibujar tantas veces como sea necesario:
- Composición (iluminación, primer plano/fondo, paleta de colores, etc.)
- El ángulo desde el que dispara la cámara (alto o bajo)
- El tipo de plano (planos generales, primeros planos, planos por encima del hombro, planos de seguimiento, etc.)
- Atrezzo (objetos en el encuadre)
- Actores (personas, animales, un sofá parlante de dibujos animados, etc.: cualquier cosa que pueda actuar en lugar de ser actuada)
7- Añade otra información importante.
Al lado o debajo de cada celda, rellena tu descripción de lo que ocurre en la escena[3] Incluye el diálogo que tendrá lugar. Añade información sobre la duración de la toma. Por último, numera las celdas para que te resulte fácil consultarlas cuando hables de tu guión gráfico con otras personas.
8- Finaliza el guión gráfico.
Una vez que hayas identificado los puntos clave del tema y hayas elaborado un diseño para cada fotograma, revisa tu trabajo y realiza los cambios finales. Asegúrate de que cada celda represente la acción que quieres que represente. Ajusta las descripciones y los diálogos si es necesario. Es una buena idea que otra persona revise el guión gráfico para asegurarse de que fluye bien y no es confuso[.
Considera la posibilidad de añadir color. Si estás creando un guión gráfico publicitario, esto ayudará a que tus ideas destaquen.
Recuerda que no es necesariamente importante que los dibujos tengan un aspecto realista o perfecto. Dependiendo del público al que se dirijan, pueden bastar unas simples figuras de palo. En la mayoría de los casos, los guiones gráficos no tienen que ser perfectos, sólo tienen que tener sentido para tu equipo.
9- Piense en una perspectiva de tres puntos.
Aunque no es necesario que tus ilustraciones de storyboard parezcan creadas por un artista profesional, hay algunos trucos de artista que puedes utilizar para que tus imágenes se parezcan más a las escenas de una película. Esto no es obligatorio, pero puede ayudar a las personas con las que trabajas a visualizar la toma con mayor claridad.
En lugar de dibujar a todos los personajes como si estuvieran en la misma línea horizontal, ponlos en perspectiva. Haz que algunos se sitúen un poco más lejos de la cámara y otros más cerca. Los que están más lejos de la cámara deben parecer más pequeños, con los pies más arriba en la página, y los que están más cerca deben parecer más grandes, con los pies más abajo en la página.
Cuando llegue el momento de trasladar el guión gráfico a la película, tendrás una idea mucho mejor de cómo dirigir la toma.
10- Incluye motivaciones en tus cortes.
Cuando hagas el storyboard de tu película, piensa en las razones que te llevan a hacer cada corte a una nueva toma. Avanzar en la historia es algo más que saltar al siguiente punto de la trama; tienes que dar una razón de por qué tus personajes hacen lo que hacen. Hacer un storyboard de las motivaciones de tus cortes te ayudará a saber cómo crear tensión y mantener la historia en movimiento a la hora de hacer la película.
Por ejemplo, si quieres cortar de una habitación a otra, haz que un personaje de la primera habitación mire hacia la puerta porque oye un ruido.
Esto ayuda a la continuidad de la historia y mantiene al espectador enganchado.
Imagen titulada
Paso 3 Escribe el guión.
Asegúrate de incluir todo, especialmente el diálogo. Cada detalle cuenta.
Los guiones son el punto de partida (normalmente). Los guionistas no sólo ven un montón de televisión y lo llaman «trabajo», sino que crean nuevos mundos, reinventan los antiguos y dan vida a nuevas voces.
Aquí tienes diez mejores consejos para empezar a trabajar, sin perder la motivacion, pero no te olvides que tienes seguir aprendiendo todos los dias.
- Terminar el guión.
Esto es muy importante. Mucha gente se pasa años dándole vueltas a una idea y nunca avanza. Cuanto más trabajo completes (por muy malo que sea) y sigas adelante, mejor te irá. - Lee mientras miras.
Elige tu programa de televisión o película favorita. Consigue una copia del guión y una bolsa de tus patatas fritas favoritas, y lee el guión mientras lo ves. Es una forma estupenda de descifrar lo que el guionista pretendía y lo que el director aportó a la obra.
- La inspiración puede venir de cualquier parte.
¿Te has quedado sin ideas? Escucha una pieza musical, pon un nombre al azar en un buscador y mira qué imágenes aparecen. Escoge una historia de El Metro y úsala como punto de partida para un personaje, una escena, una historia. Y deja volar tu imaginación. - Asegúrate de que tus personajes quieren algo.
Desde tu protagonista hasta la camarera del café que sirve el té. Cuando sepas lo que tus personajes quieren, tu siguiente trabajo es hacer que les resulte difícil conseguirlo. - Muéstralo. No lo cuentes.
Sea lo que sea lo que quiere o siente un personaje, siempre es más interesante saberlo a través de sus acciones, en lugar de con el diálogo. - Escribe según tus puntos fuertes.
Si eres divertido por naturaleza, introdúcelo en tu trabajo. Si no te gusta la investigación, no empieces con algo que requiera 10 años en la Biblioteca Británica. - Para empezar, escribe sobre lo que sabes
El trabajo. La familia. La infancia. O cosas que te emocionan. Cosas que te enfadan tanto que quieres lanzar ladrillos. Escribe el guión en su lugar. - Libera a tus personajes del cliché
¿Te preocupa estar escribiendo un personaje cliché? ¿Personajes que hayamos visto antes? Entonces cambia un elemento de ese personaje. Cambia su sexo, edad, clase, ocupación. Esto a menudo puede dar la vuelta a un cliché y llevarnos a algo interesante. - Comete errores y aprende de ellos.
El «bloqueo del escritor» es sobre todo el «miedo del escritor». El miedo a equivocarse. A que no le guste a nadie. La idea de que cualquier escritor se sienta frente a su portátil una mañana, y a las 5 de la tarde ya tiene un éxito en sus manos es una tontería (o suerte). - Menos es más.
Mi mejor consejo para las escenas… «empieza tarde y sal pronto». Las escenas no tienen por qué ser historias totalmente realistas: no te preocupes por describir cómo hemos llegado hasta aquí, ¡simplemente ponte a ello!
Paso 4 Define tus personajes y sus historias.
Escribe los perfiles de los personajes para desarrollar los protagonistas de tu película de animación. Incluye muchísimos detalles. Incluso puedes incluir rasgos de tu personaje. ¿Es tu personaje el cómico de la película o es algo más?
Paso 5 Anima tu película.
En este punto deberías haber decidido qué técnica de animación vas a utilizar. Los flip books son baratos y divertidos, pero tienen varios inconvenientes (no hay sonido, la duración de la película es limitada). La animación tradicional tiene una gran calidad, pero lleva mucho tiempo, no es muy eficiente y es bastante costosa. También puedes utilizar un software de animación. Todo depende de ti, el creador.
Imagen titulada Crear una buena película de animación
Animación Paso 1
La animación consiste en una serie de imágenes estáticas presentadas en rápida secuencia para crear la ilusión de movimiento. Hay varias formas de animar: dibujar a mano (flipbook), dibujar y pintar sobre celuloide transparente, stop-motion o utilizar un ordenador para crear imágenes bidimensionales o tridimensionales. Aunque cada método utiliza técnicas diferentes, todos los métodos de animación se basan en los mismos conceptos de cómo engañar al ojo.
Animación Paso 2- Conceptos generales de animación
Planifica la historia que quieres animar. Para animaciones sencillas, como un flipbook, probablemente puedas planificar todo en tu cabeza, pero para trabajos más complejos, necesitas crear un storyboard. Un guión gráfico se asemeja a una tira cómica de gran tamaño, que combina palabras e imágenes para resumir la historia general o una parte determinada de ella[1].
Si tu animación va a utilizar personajes con apariencias complicadas, también tendrás que preparar hojas de modelo que muestren cómo aparecen en varias poses y de cuerpo entero[2].
Animación Paso 3
Decide qué partes de tu historia deben ser animadas y qué partes pueden permanecer estáticas. Normalmente no es necesario, ni rentable, hacer que todos los objetos de la historia se muevan para contar la historia con eficacia. Esto se llama animación limitada[3].
Para un dibujo animado que represente a Superman volando, tal vez quieras mostrar sólo la capa del Hombre de Acero ondeando y las nubes zumbando desde el primer plano hasta el fondo en un cielo que, por lo demás, es estático. En el caso de un logotipo animado, es posible que sólo se muestre el nombre de la empresa girando para llamar la atención, y sólo durante un número fijo de veces, para que la gente pueda leer el nombre con claridad.
La animación limitada en los dibujos animados tiene la desventaja de no parecer especialmente realista. En el caso de los dibujos animados dirigidos a niños pequeños, esto no es tan preocupante como en las obras animadas destinadas a un público mayor.
Animación Paso 4
Determina qué partes de la animación puedes hacer de forma repetitiva. Ciertas acciones pueden dividirse en representaciones secuenciales que pueden reutilizarse varias veces en una secuencia de animación.
- Dicha secuencia se denomina bucle Las acciones que pueden repetirse son las siguientes
- Rebote de la pelota.
- Caminar/correr.
- Movimiento de la boca (hablar).
- Saltar a la cuerda.
- Aleteo de las alas/del paisaje.
Animación paso 5
Consigue un número de hojas de papel que puedas hojear. Un flipbook consiste en un número de hojas de papel, normalmente unidas por un borde, que crea la ilusión de movimiento cuando se agarra el borde opuesto con el pulgar y se pasa por las páginas. Cuantas más hojas tenga el libro, más realista será el movimiento. (Una película de acción real utiliza 24 cuadros/imágenes por cada segundo, mientras que la mayoría de los dibujos animados utilizan 12). Puedes hacer el libro real de varias maneras:
Grapar o encuadernar hojas de papel de escribir o de construcción.
Utiliza un bloc de notas.
Utiliza un bloc de notas adhesivas.
Animación Paso 6
Cree las imágenes individuales. Puedes crear las imágenes de la animación de tu libro animado de varias maneras:
- Dibujarlas a mano. Si lo haces así, empieza con imágenes sencillas (figuras de palo) y fondos, y aborda gradualmente dibujos más complejos. Tendrás que tener cuidado de que los fondos sean consistentes de una página a otra para evitar un aspecto movido al pasar las páginas.
- Fotografías. Puedes hacer varias fotos digitales, imprimirlas en hojas de papel y encuadernarlas, o utilizar un programa informático para crear un libro animado digital. Lo más fácil es hacer esto si tu cámara tiene un modo de ráfaga de fotos que te permita hacer varias fotos mientras mantienes pulsado el botón.
- Vídeo digital. Algunas parejas de recién casados optan por crear flipbooks de mesa de café de su boda, utilizando una parte del vídeo grabado durante la misma. Para extraer fotogramas individuales de vídeo es necesario utilizar un ordenador y un programa de edición de vídeo, y muchas parejas optan por subir sus vídeos a empresas online como FlipClips.com.
Animación Paso 7
Ensambla las imágenes. Si has dibujado las imágenes a mano en un bloc de notas ya encuadernado, el montaje está hecho por ti. De lo contrario, organice las imágenes con la primera imagen en la parte inferior de la pila y la última imagen en la parte superior y encuadre las hojas juntas.
Puede experimentar dejando fuera o reordenando algunas de las imágenes para que la animación parezca más brusca o cambiar el patrón de animación antes de encuadernar el libro.
Animación Paso 8
Pase las páginas. Dobla las páginas hacia arriba con el pulgar y suéltalas a una velocidad uniforme. Deberías ver una imagen en movimiento.
Los animadores de pluma utilizan una técnica similar con los dibujos preliminares antes de colorearlos y pintarlos. Los colocan uno encima de otro, del primero al último, y luego mantienen presionado uno de los bordes mientras pasan los dibujos.
Animación Paso 9
Prepara el storyboard. La mayoría de los proyectos de animación creados con tinta y lápiz requieren un gran equipo de artistas para su realización. Esto requiere la creación de un guión gráfico para guiar a los animadores, así como para comunicar la historia propuesta a los productores antes de que comience el trabajo de dibujo real.
Animación Paso 10
Grabar una banda sonora preliminar. Dado que es más fácil coordinar una secuencia animada con una banda sonora que una banda sonora con una secuencia animada, es necesario grabar una banda sonora preliminar, o «scratch», compuesta por estos elementos
- Voces de los personajes
- Las voces de las canciones
- Una pista musical provisional. La pista final, junto con cualquier efecto de sonido, se añade en la postproducción.
Los dibujos animados anteriores a la década de 1930 y posteriores a ella realizaban primero la animación y luego el sonido. Los estudios Fleischer lo hicieron así en sus primeros dibujos animados de Popeye, que requerían que los actores de doblaje improvisaran entre los puntos del guión del diálogo. Esto explica los graciosos murmullos de Popeye en dibujos animados como «Choose Your Weppins».
Animación Paso 11
Haz un carrete de historia preliminar. Este carrete, o animatic, sincroniza la banda sonora con el storyboard para encontrar y corregir errores de sincronización en la banda sonora o en el guión.
Las agencias de publicidad utilizan tanto los animatics como los fotomáticos, una serie de fotografías digitales secuenciadas para hacer una animación cruda. Suelen crearse con fotos de archivo para reducir el coste.
Animación Paso 12
Crea hojas de modelo para los personajes principales y el atrezzo importante. Estas hojas muestran los personajes y los objetos desde varios ángulos, así como el estilo en el que se van a dibujar los personajes. Algunos personajes y objetos pueden modelarse en tres dimensiones utilizando accesorios llamados maquetas (pequeños modelos a escala).
También se crean hojas de referencia para los fondos necesarios para el lugar donde se desarrolla la acción.
Animación Paso Paso 13
Afine la sincronización. Repasa el animatic para ver qué poses, movimientos de labios y otras acciones serán necesarias para cada fotograma de la historia. Escribe estas poses en una tabla llamada hoja de exposición (hoja X).
Si la animación se desarrolla principalmente con música, como en el caso de Fantasía, también puedes crear una hoja de compases para coordinar la animación con las notas de la partitura. Para algunas producciones, la hoja de compases puede sustituir a la hoja X.
Animación Paso 14
Distribuya las escenas de la historia. Los dibujos animados se diseñan de forma similar a la forma en que un director de fotografía bloquea las escenas en una película de acción real. En las grandes producciones, grupos de artistas diseñan la apariencia del fondo en términos de ángulos y trayectorias de la cámara, iluminación y sombreado, mientras que otros artistas desarrollan las poses necesarias para cada personaje en una escena determinada. En producciones más pequeñas, el director puede tomar todas estas decisiones.
Animación Paso Step 15
Cree un segundo animatic. Este animatic se compone de los dibujos del storyboard y del layout, con la banda sonora. Cuando el director lo aprueba, comienza la animación propiamente dicha.
Animación Paso 16
Dibuje los fotogramas. En la animación tradicional, cada fotograma se dibuja a lápiz en papel transparente perforado en los bordes para que encaje en las clavijas de un marco físico llamado barra de clavijas, que a su vez se fija a un escritorio o a una mesa de luz. La barra de clavijas impide que el papel se deslice para que cada elemento de la escena que se está representando aparezca donde se supone que debe hacerlo.
Normalmente, sólo se renderizan primero los puntos y acciones clave. Se hace una prueba de lápiz, utilizando fotos o escaneos de los dibujos sincronizados con la banda sonora para asegurarse de que los detalles son correctos. Sólo entonces se añaden los detalles, tras lo cual también se prueban a lápiz. Una vez comprobado todo, se envía a otro animador, que lo redibuja para darle un aspecto más consistente.
En las grandes producciones, se puede asignar un equipo de animadores a cada personaje, en el que el animador principal se encarga de los puntos y acciones clave y los ayudantes de los detalles. Cuando los personajes dibujados por equipos distintos interactúan, los animadores principales de cada personaje determinan cuál es el personaje principal de la escena, y ese personaje se renderiza primero, mientras que el segundo personaje se dibuja para reaccionar a las acciones del primero.
En cada fase de dibujo se crea un animatic revisado, lo que equivale aproximadamente a los «rushes» diarios de las películas de acción real.
A veces, normalmente cuando se trabaja con personajes humanos dibujados de forma realista, los dibujos de los fotogramas se trazan sobre fotogramas de actores y decorados en la película. Este proceso, desarrollado en 1915 por Max Fleischer, se denomina rotoscopia.
Animación Paso 17
Pinta los fondos. Mientras se dibujan los fotogramas, los dibujos del fondo se convierten en «decorados» para fotografiar los dibujos de los personajes. Aunque hoy en día se suele hacer de forma digital, la pintura puede hacerse de forma tradicional con uno de los distintos medios:
Gouache (una forma de acuarela con partículas de pigmento más gruesas)[7]
Pintura acrílica
Óleo
Acuarela
Animación Paso 18
Transfiera los dibujos a los fotogramas. La abreviatura de «celuloide» es una hoja de plástico fina y transparente. Al igual que el papel de dibujo, sus bordes están perforados para encajar en las clavijas de una barra de clavijas. Las imágenes pueden calcarse de los dibujos con tinta o fotocopiarse en el cel. A continuación, se pinta el cel en el reverso utilizando el mismo tipo de pintura para pintar el fondo.
Sólo se pinta la imagen del personaje sobre el objeto en el móvil; el resto se deja sin pintar.
Una forma más sofisticada de este proceso se desarrolló para la película The Black Cauldron. Los dibujos se fotografiaron en una película de alto contraste. Los negativos se revelaron en fotogramas cubiertos con un tinte sensible a la luz. La parte no expuesta de la celda se limpiaba químicamente y los pequeños detalles se entintaban a mano.
Animación Paso 19
Colocar las capas y fotografiar los fotogramas. Todas las células se colocan en la barra de clavijas; cada célula lleva una referencia para indicar dónde está colocada en la pila. Se coloca una lámina de vidrio sobre la pila para aplanarla y se fotografía. A continuación se retiran las células, se crea una nueva pila y se fotografía. El proceso se repite hasta que cada escena está compuesta y fotografiada.
A veces, en lugar de colocar todos los fotogramas en una sola pila, se crean varias pilas y la cámara se mueve hacia arriba o hacia abajo a través de las pilas. Este tipo de cámara se llama cámara multiplano y se utiliza para añadir la ilusión de profundidad.
Se pueden añadir superposiciones sobre la celda de fondo, sobre las celdas de los personajes o sobre todas las celdas para añadir profundidad y detalles adicionales a la imagen resultante antes de fotografiarla.
Animación Paso 20
Empalme las escenas fotografiadas. Las imágenes individuales se secuencian juntas como fotogramas de la película, que, cuando se ejecutan en secuencia, producen la ilusión de movimiento.
Animación Paso 21
Prepara el guión gráfico. Al igual que con otras formas de animación, un guión gráfico proporciona una guía a los animadores y un medio para comunicar a los demás cómo debe fluir la historia.
Animación Paso 22
Elige el tipo de objetos que se van a animar. Al igual que la animación con lápiz y tinta, la animación stop-motion se basa en la creación de numerosos cuadros de imágenes que se muestran en rápida secuencia para producir la ilusión de movimiento. Sin embargo, la animación stop-motion suele utilizar objetos tridimensionales, aunque no siempre es así. Para la animación stop-motion se puede utilizar cualquiera de los siguientes elementos:
- Recortes de papel. Puedes cortar o rasgar trozos de papel en partes de figuras humanas y animales y colocarlos sobre un fondo dibujado para producir una burda animación bidimensional.
- Muñecas o juguetes de peluche. Más conocida por las producciones animadas de Rankin-Bass, como Rudolph, el reno de la nariz roja o Santa Claus viene a la ciudad, y por Robot Chicken, de Adult Swim, esta forma de stop-motion se remonta a The Humpty Dumpty Circus, de Albert Smith y Stuart Blackton, de 1897. Sin embargo, si quieres que tus animales de peluche muevan los labios al hablar, tendrás que crear recortes para los distintos modelos de labios que podrás pegar.
- Figuras de arcilla. Las Pasas de California animadas por Will Vinton son los ejemplos modernos más conocidos de esta técnica, pero ésta se remonta a la obra Modelling Extraordinary, de 1912, y fue el método que convirtió a Gumby, de Art Clokey, en una estrella de la televisión en la década de 1950. Es posible que haya que utilizar armaduras para algunas figuras de arcilla y bases de piernas preesculpidas, como hizo Marc Paul Chinoy en su película de 1980 I go Pogo.
- Modelos. Las maquetas pueden ser de criaturas o vehículos reales o de fantasía. Ray Harryhausen utilizó la animación stop-motion para las criaturas fantásticas de películas como Jasón y los argonautas y El viaje dorado de Simbad. Industrial Light & Magic utilizó la animación stop-motion de vehículos para hacer que los AT-ATs caminaran por los helados páramos de Hoth en El Imperio Contraataca.
Animación Paso 23
Graba una banda sonora preliminar. Al igual que con la animación a lápiz y tinta, necesitarás tener una banda sonora para sincronizar la acción. Es posible que tengas que crear una hoja de exposición, una hoja de barras, o ambas.
Animación Paso 24
Sincroniza la banda sonora y el guión gráfico. Al igual que en las animaciones a lápiz y tinta, es conveniente que calcules la sincronización entre la banda sonora y la animación antes de empezar a mover los objetos.
Si tienes previsto que los personajes hablen, tendrás que calcular las formas correctas de la boca para el diálogo que van a pronunciar.
También puede ser necesario crear algo similar al fotomatón descrito en la sección sobre la animación con lápiz y tinta.
Animación Paso 25
Traza las escenas de la historia. Esta parte de la animación stop-motion también es similar a la forma en que un director de fotografía traza una película de imagen real, incluso más que en el caso de la animación a lápiz y tinta, ya que lo más probable es que trabajes en tres dimensiones como en una película de imagen real.
Al igual que en las películas de acción real, es más probable que tengas que preocuparte por la iluminación de la escena en lugar de dibujar los efectos de luz y sombra, como harías en la animación a lápiz y tinta.
Animación Paso 26
Prepara y fotografía los componentes de la escena. Probablemente querrás tener la cámara montada en un trípode para mantenerla estable durante la secuencia de disparo. Si tiene un temporizador que le permite tomar fotos automáticamente, puede utilizarlo si puede configurarlo por períodos lo suficientemente largos como para permitirle ajustar los componentes durante la escena.
Animación Paso 27
Mueva los elementos que necesite mover y vuelva a fotografiar la escena. Repite esto hasta que hayas terminado de fotografiar toda la escena de principio a fin.
El animador Phil Tippett desarrolló una forma de tener parte del movimiento de los modelos controlado por ordenador para producir movimientos más realistas. Llamado «go motion», este método se utilizó en El Imperio Contraataca, así como en Dragonslayer, RoboCop y RoboCop II[10].
Animación Paso 28
Ensamble las imágenes fotografiadas en una secuencia. Al igual que con los fotogramas fotografiados en la animación a lápiz y tinta, los planos individuales de la animación stop-motion se convierten en fotogramas de película que producen la ilusión de movimiento cuando se ejecutan uno tras otro.
Animación Paso 29
Decide si quieres especializarte en animación bidimensional o tridimensional. La animación por ordenador hace que hacer una animación bidimensional o tridimensional sea más fácil que hacer el trabajo a mano.
La animación tridimensional requiere aprender otras habilidades además de la animación. Tendrás que aprender a iluminar una escena y también a crear la ilusión de textura.
Animación Paso 30
Elige el equipo informático adecuado. La cantidad de ordenador que necesitas depende de si estás haciendo animación 2D o 3D.
Para la animación 2D, un procesador rápido es útil, pero no absolutamente necesario. No obstante, consigue un procesador de cuatro núcleos si te lo puedes permitir, y al menos un procesador de dos núcleos si compras un ordenador de segunda mano.
Sin embargo, para la animación en 3D, es necesario el procesador más rápido que puedas permitirte debido a todo el trabajo de renderización que vas a realizar. También querrás tener una cantidad significativa de memoria para soportar ese procesador. Lo más probable es que tengas que gastar varios miles de dólares en una nueva estación de trabajo.
Para cualquiera de las dos formas de animación, querrás un monitor tan grande como tu área de trabajo prevista pueda acomodar, y puede que quieras considerar una configuración de dos monitores si tienes varias ventanas de programas orientados al detalle abiertas a la vez. Algunos monitores, como el Cintiq, están diseñados específicamente para la animación.
También deberías considerar el uso de una tableta gráfica, un dispositivo de entrada conectado a tu ordenador con una superficie sobre la que dibujas con un lápiz óptico, como la Intuos Pro, en lugar de un ratón. Al principio, es posible que quieras utilizar un lápiz óptico más barato para trazar sobre tus dibujos a lápiz y transferir las imágenes a tu ordenador.
Animación Paso 31
Elija un software adecuado a su nivel de conocimientos. Existen programas para la animación en 2D y 3D, con opciones económicas para los principiantes y otras más sofisticadas y costosas a las que puedes ir migrando según tu presupuesto y habilidad.
Para la animación 2D, puedes producir imágenes animadas rápidamente utilizando Adobe Flash, con la ayuda de uno de los muchos tutoriales gratuitos disponibles. Cuando estés preparado para aprender a animar fotograma a fotograma, puedes utilizar un programa de gráficos como Adobe Photoshop o un programa que tenga una función similar a la de la línea de tiempo de Photoshop.
Para la animación 3D, puedes empezar con programas gratuitos como Blender y luego pasar a programas más sofisticados como Cinema 4D o el estándar de la industria, Autodesk Maya[16].
Practica. Sumérgete en el software que has elegido, aprendiendo a crear con él y luego sentándote a crear tus propias animaciones. Compila estas animaciones en un carrete de demostración que puedas mostrar a otros, ya sea de forma individual o en línea.
Cuando explores tu paquete de software de animación, echa un vistazo a la «Tercera Parte: Creación de animaciones a lápiz y tinta» si su software es para animación 2D y «Parte cuatro: Creación de animación Stop-Motion» para determinar qué partes del proceso el software automatizará para usted y qué partes tendrá que hacer fuera de él.
Puedes publicar los vídeos en tu propio sitio web, que debe estar registrado a tu nombre o al de tu empresa.
También puedes publicar en un sitio como YouTube o Vimeo. Vimeo te permite cambiar el vídeo que estás publicando sin cambiar el enlace al mismo, lo que puede ser útil cuando hayas creado tu última obra maestra[17].
Paso 6 Edita tu película.
Decide si hay algo que te gustaría cambiar de tu película o algo que no te gusta de ella. Recórtalo si es así.
Los fundamentos del montaje cinematográfico (y cómo editar una película)
Aunque toda la industria del cine y el vídeo ha evolucionado en las últimas décadas, ninguna parte de la producción cinematográfica ha cambiado más significativamente que el montaje de películas.
Si bien en un principio era un arte que se realizaba a mano y con tijeras y cinta adhesiva para proyectos cinematográficos, hoy en día los editores deben aprender a editar contenidos para YouTube, además de, ya sabes, entender cómo editar el sonido.
(Ah, sí, puede que incluso tengas que aprender a editar en tu smartphone también).
Así que, si es la primera vez que te dedicas a la edición de películas (y a cómo editar una película), tenemos un montón de consejos de edición de vídeo que te ayudarán a evitar los errores básicos de edición de vídeo que la mayoría de los editores cometen cuando empiezan.
Sin embargo, dicen que la mejor manera de aprender es haciendo. Por eso, con los actuales sistemas de edición no lineal (NLE) y las aplicaciones de vídeo para smartphones, las opciones para explorar por ensayo y error son mayores que nunca.
Ahora vamos a repasar algunos de los principios y directrices básicos para la edición de vídeo. También te daremos un poco de historia y perspectiva sobre este proceso para ayudarte a empezar tu viaje de edición.
¿Qué es el montaje de películas?
Empecemos con una definición básica del arte del montaje de películas. Así es como describimos el montaje cinematográfico como parte del proceso de realización de películas en términos actuales:
Como parte del proceso de postproducción, el montaje de películas es la parte técnica y creativa que consiste en convertir las tomas individuales de un proyecto en un proyecto cinematográfico completo y conectado.
El montaje de una película también suele denominarse «corte de película» o simplemente «corte». Tradicionalmente, esta era una forma de describir el acto físico de cortar (o empalmar) tiras de película para convertirlas en una película completa, que era como trabajaba la industria en los días analógicos.
Aunque hoy en día todavía se realiza algún tipo de corte analógico, la mayor parte de la edición de películas se lleva a cabo digitalmente a través de diferentes programas y aplicaciones de edición de vídeo como Adobe Premiere Pro, Final Cut Pro, Avid Media Composer o DaVinci Resolve.
Metraje de película frente a videoclips
Antes de entrar en materia, debemos hablar de las diferencias entre la edición de material de archivo para un proyecto cinematográfico y la edición de videoclips para cualquier proceso de producción.
Aunque es evidente que hay un gran solapamiento entre los dos, es importante reconocer que el término «montaje de películas» abarca tanto una forma de arte más amplia y holística de la visión del director como la forma más técnica de simplemente cortar dos archivos de vídeo. No es tan diferente de hacer vídeos en YouTube o incluso una historia de Instagram.
Sin embargo, a medida que las tecnologías digitales sigan avanzando y los cineastas y creadores de contenidos encuentren más e innovadoras formas de combinar estos dos mundos, lo más probable es que esta distinción empiece a desaparecer por completo.
¿En qué consiste el proceso de montaje de una película?
Ahora que nos centramos en el montaje de películas como forma de arte, vamos a repasar todos los pasos del proceso de postproducción.
Cuando se rueda una película o un proyecto de vídeo propiamente dicho, hay realmente tres etapas distintas de producción de vídeo. Desde un punto de vista global, tenemos la preproducción, la producción y la postproducción. Y a partir de ahí, cada una de estas etapas puede separarse en un montón de subsecciones más pequeñas.
La postproducción no es diferente, y se podrían desglosar aún más las etapas del proceso de postproducción (o edición de películas) para incluir
- Etapa de montaje (o preedición)
- Etapa de edición
- Etapa de corrección de color y gradación
- Etapa de edición y diseño de sonido
- Etapa de formateo y exportación
Pero esto es sólo un esquema, porque cada proyecto de montaje de una película es único. Y aunque parezcan secciones distintas, muchas de estas etapas se desarrollan en realidad fuera de orden o incluso al mismo tiempo.
En el pasado, muchas de estas etapas podían ser realizadas por expertos independientes. Sin embargo, con las herramientas digitales de hoy en día y la formación en línea disponible, la mayoría de estas etapas pueden ser manejadas por un solo editor – cuando se utilizan las técnicas adecuadas, por supuesto.
Tipos de técnicas de edición
Ahora vamos a repasar algunos de los trucos y técnicas básicas para el montaje de películas. Por supuesto, hay mucho que cubrir, pero también hay mucho que explorar y experimentar. Lo ideal es que estas técnicas clásicas te sirvan de punto de partida para encontrar tu propio estilo de edición y flujo de trabajo.
Edición de continuidad
La primera técnica (o «regla») que hay que aprender es el concepto de montaje de continuidad. Como su nombre indica, el montaje de continuidad es el arte de cortar las tomas para crear una secuencia o escena que parezca conectada y continua.
Esta forma de edición se ve en casi todas las películas, programas de televisión o contenidos de vídeo en general. Y cuando se hace correctamente, no se nota en absoluto: simplemente parece que las tomas están conectadas y cortadas de forma natural, lo que permite al público disfrutar de la presentación. (Las escenas de diálogo son un gran ejemplo de ello).
Hay varias subtécnicas que explorar dentro del montaje de continuidad, como el match cutting y el eye-line matching (también llamado eye-tracing). Se trata de pequeños trucos que los editores de cine utilizan para mantener la conexión y la fluidez.
Puedes leer más sobre los fundamentos de esta técnica de «montaje invisible» en este artículo sobre los fundamentos del montaje de continuidad.
Montaje de discontinuidad
En el otro extremo del espectro, también tenemos que hablar de la forma de arte opuesta: el montaje de discontinuidad.
Esta técnica es cualquier estilo de edición de vídeo que va en contra de la continuidad de una escena o secuencia. Estas interrupciones suelen ser realizadas por los editores con un propósito específico (y si no es así, deben ser clasificadas como errores y pueden sacar rápidamente al público del momento).
Sin embargo, se pueden encontrar ejemplos de discontinuidad en la acción cada vez que se ven cortes de salto estilísticos o jump scares, u otras técnicas no lineales. La mayoría de ellas se realizan con carácter experimental o evocador para introducir al público en la historia.
Para saber más sobre la edición de la discontinuidad, profundiza en este fascinante artículo sobre cómo los YouTubers utilizan los jump cuts.
Teoría del montaje
También puedes combinar aspectos de la edición de continuidad y de discontinuidad, como el complejo (pero poderoso) proceso de la teoría del montaje. La teoría del montaje es un enfoque que proviene de los cineastas soviéticos de la década de 1920 como una forma experimental de conectar planos que en un principio podrían no parecer continuos, pero que acaban pareciendolo.
Hoy en día, se ven montajes en todo tipo de proyectos cinematográficos. Y pueden variar en cuanto a la desconexión o conexión de las tomas y la historia que intentan contar. Sin embargo, cuando se hace correctamente, esta técnica es estupenda para conectar las tomas de la cámara con la calidad de un largometraje.
Consulta este artículo adicional que define mejor la teoría del montaje soviético y explora cómo los cineastas pueden utilizarla hoy en día.
El efecto Kuleshov
Antes de adentrarnos en estos tipos básicos de montaje que todo editor de vídeo debería conocer, también debemos retroceder y explorar algunos principios fundamentales de la realización cinematográfica. Uno de estos componentes clave del cine se conoce como efecto Kuleshov y es una gran introducción a la teoría de construcción de planos y escenas que guía los fundamentos de la edición.
Si no estás familiarizado, puedes leer mucho más sobre el tema en este artículo que explora lo que los cineastas pueden aprender del efecto Kuleshov.
El corte de la imagen
Para profundizar en algunos de los principios básicos de la edición de vídeo, también debemos hablar un poco del match cutting y de cómo funciona la transición entre dos planos. Hay mucha teoría que explorar, pero el match cut puede ser una herramienta poderosa para ayudar a la audiencia a conectar realmente dos tomas entre sí, ya sea a través de la acción, los elementos gráficos o las señales de audio.
Lee este artículo para saber más sobre el uso de los match cuts en la edición de películas y vídeos.
Edición paralela (y cortes cruzados)
Otra técnica de edición de vídeo que comparte muchos aspectos con otras técnicas es la edición paralela o los cortes cruzados. Se trata de un enfoque de edición para cortar juntos el material cinematográfico de varias escenas o secuencias a la vez.
Aunque los dos términos suelen utilizarse indistintamente, el montaje paralelo es el más matizado de los dos enfoques. Su objetivo es ayudar al público a conectar dos escenas temáticamente, mientras que el montaje cruzado es más bien una decisión orientada al entretenimiento y destinada a crear tensión en las escenas que están interconectadas de forma crítica.
Aprende más sobre el cross-cutting en este artículo completo sobre los fundamentos de la técnica de montaje en paralelo.
Cortes e inserciones
Los cortes e inserciones son otra técnica cinematográfica utilizada tanto en la producción como en la postproducción. Desde el punto de vista del rodaje, los cutaways y los insertos son planos individuales grabados en el plató con el objetivo específico de ser editados posteriormente en una escena.
Desde el punto de vista del montaje, estos cortes e inserciones se utilizan a discreción del montador. Cuando no están específicamente indicados en el guión gráfico, se utilizan como una herramienta para «cortar» una parte de la escena para cubrir un error, o como una forma de resaltar un objeto o elemento para conseguir un efecto dramático.
Sin embargo, trabajar con este tipo de cortes puede ser complicado, así que asegúrate de leer más a fondo en este artículo sobre cómo añadir tomas de corte e inserciones en tus vídeos.
Cortes en J y L
Pasemos a ver cómo se puede utilizar el audio junto con el vídeo en el montaje de películas. Los cortes en J y en L son técnicas utilizadas por los editores para introducir el audio de una toma diferente antes o después de la actual.
Y aunque este concepto puede resultar un poco confuso, en realidad es bastante sencillo y común en todo tipo de películas y vídeos. Ya sea el silbido de un tren en la siguiente escena o las palabras de un personaje que resuenan en la siguiente toma, habrás visto estos cortes en acción.
El corte en J es el término para cualquier transición en la que el audio de la siguiente toma entra antes, y un corte en L es el término para cualquier transición en la que el audio permanece debajo de la siguiente toma. Los nombres J y L provienen de las formas que hacen en una línea de tiempo de edición de vídeo con el audio sobresaliendo a la izquierda o a la derecha del clip anterior.
Si estos ejemplos te siguen pareciendo un poco confusos (lo cual es comprensible), tenemos un gran artículo aquí que desglosa los fundamentos de los cortes en J y en L.
Transiciones y disolvencias
Por último, entre las técnicas de edición de películas hay que incluir la multitud de transiciones y disolvencias que encontrarás como forma de conectar dos (o a veces más) tomas.
Al principio, la principal forma de transición entre dos planos es un corte duro. Los ves todo el tiempo y son la transición por defecto de la mayoría de los programas y aplicaciones.
Sin embargo, como descubrirás rápidamente en cualquier película o proyecto de vídeo, la mayoría de las tomas se conectan con diferentes efectos de transición. La lista de opciones incluye disolvencias, fundidos, empujes, tirones y otras técnicas experimentales.
Merece la pena explorar y comprender el efecto que estas transiciones tienen en el público, ya que una transición bien colocada puede ser útil para crear tensión, conectar temas o incluso hacer saber al público que el tiempo pasa o se acelera.
Paso 7 Presenta tu película.
Intenta enseñar tu película lo más que puedas:
- en tu circulo de familiares y amigos
- círculos profesionales del sector
- En internet ( youtube, vimeo, etc
- en festivales de animación
Iremos creando información más detallada sobre el proceso de animación que podrás encontrar en nuestro blog.
